MARIAJOSÉ GALLARDO

El trabajo de Mariajosé Gallardo da vueltas a la poética natural y humana como lo hacían los maestros del siglo XVII, realista, profusa y exagerada. Quizás, pudiera considerarse anacrónico y acertadamente disonante con ciertas corrientes plásticas/artísticas del momento, pero no podría ser ni más coherente ni más acorde con su condición de mujer en el lugar y momento actual. Parte de la iconografía de estas pinturas se genera desde la herencia cultural matriarcal utilizando los secretos de la botánica, estrechamente ligada al entorno esotérico que la rodea.

Vestir de negro representa una reflexión sobre el poder y el misterio, una muestra para entresacar el razonamiento deductivo a la manera de los personajes de Conan Doyle. La estrategia del método es hallar la conclusión a partir de las premisas, de lo general a lo particular. La primera premisa es que la pintura, como la ropa, no significa nada hasta que alguien vive en ella. Los espectadores tienen que hacerse con el ideario para recrear su experiencia aplicando la observación y el conocimiento. Y la segunda, es que la belleza es una cualidad basada en percepciones de la infancia, influencias y estándares.

La obra de Gallardo juega con la lógica de las relaciones, a la que no podemos olvidar, le corresponde su dual. Según la psicología de los colores, el negro nos da cierta protección mágica a modo de barrera con el exterior. Sin embargo, al mismo tiempo, brinda importancia y poder. Max Lüscher, describía el color negro como la representación del límite absoluto. Es negación, renuncia, abandono, extremo, rechazo, extinción, temor. La artista, como lo hicieran los beatniks, se apodera de una vestimenta como símbolo de transgresión y una clave en la creación de esta exposición. Su simbolismo ha ido cambiando a lo largo de la historia, antes se identificaba con el pecado y hoy con la elegancia. La noche ha sido siempre una experiencia humana peligrosa aunque por el contrario, es el momento de creación favorito de Gallardo. Es precisamente a su campo simbólico personal, donde ella lleva esa “ausencia de luz”, destacando de forma irónica el carácter religioso del arte, la opulencia de lo material y el preciosismo del lujo.